13 Salón Nacional de Pintura ICPNA 2015

Tras revisar las obras de 209 participantes, el jurado del 13 Salón Nacional de Pintura ICPNA 2015, conformado por los artistas Luz Negib y Carlos Revilla y el crítico y curador Luis Eduardo Wuffarden, decidió entregar el primer premio a John Chauca Laurente (Lima), por su pintura “En mi angustia te invoqué, pero tú no me escuchaste”.
Promoviendo el desarrollo artístico del país, el concurso, organizado por el Instituto Cultural Peruano Norteamericano, tiene como objetivo reunir los mejores trabajos de pintura en óleo o acrílico. Estuvo dirigido a artistas peruanos y extranjeros residentes del país.

El segundo premio es para Jhony Herrera Aguilar (Arequipa), por “Asepsia”; mientras que el tercero se lo llevó Sherman Meléndez Meléndez (Lima), por “Construcción, destrucción y reconstrucción”.
Finalmente, los jueces entregaron menciones honrosas a Teobaldo Leonardo Nina Mamani (Moquegua), por “En construcción Perú I”; Zuller Carrillo Esquivel (Trujillo), por “Vida”; y Luis Mamani (Arequipa), por “Condominios vecinales”.

Las obras premiadas y seleccionadas en el concurso formarán parte de la exposición “13 Salón Nacional de Pintura ICPNA 2015” que se inaugura el martes 17 de febrero en la Galería Juan Pardo Heeren del ICPNA de Lima (Jr. Cuzco 446) y permanecerá abierta hasta el domingo 15 de marzo.

PRIMER PREMIO

“En mi angustia te invoqué, pero tú no me escuchaste”, de John Chauca Laurente (Lima)

SEGUNDO PREMIO

“Asepsia”, de Jhony Herrera Aguilar (Arequipa)

TERCER PREMIO

“Construcción, destrucción y reconstrucción”, de Sherman Meléndez Meléndez (Lima)

MENCIONES HONROSAS

“En construcción Perú I”, por Teobaldo Leonardo Nina Mamani (Moquegua)

“Vida”, por Zuller Carrillo Esquivel (Trujillo)

“Condominios vecinales”, por Luis Alberto Mamani Cotacallapa (Arequipa)

SELECCIONADOS

Juan Carlos Alvarado Salvatierra – Trujillo
“Cordeles I”

Dan Abel Castro Flores – Arequipa
“Tiempos de Introspección”

John Chauca Laurente – Lima
“No me desampares, ni de noche ni de día”

Carlos David Chávez Alvarado – Trujillo
“365 días de rutina”

Alberto Herrera Arana – Lima
“Visiones”
“Juego de niños”

Delsy Marilya Hinostroza Gonzales – Lima
“Adiós Juventud”

Erick Omar Huanca Zevallos – Arequipa
“Tapia I”

Lucero León Collantes – Lima
“Memorias Permanentes II”

Edgar Macedo Hernández – Lima
“Escalón al cielo”

Flavio Ubaldo Mamani Cotacallapa – Arequipa
“Siempre Arriba”

Miguel Ángel Mamani Cotacallapa – Arequipa
“Rompiendo el silencio”

Sherman Hilton Meléndez Meléndez – Lima
“Ree-construcción”

Yaneth Asunción Núñez Trujillo – Lima
“Yana Punku (puerta negra)”

Robert Orihuela Yurivilca – Lima
“Yo tenía una casa en la Av. Zarumilla”

“Alteraciones humanas, cadena perpetua”

Andrea Mónica Ramos Arango – Lima
“Continuum”

Jonatan Neftalí Rivera Enriquez – Lima
“Horizonte”

Rubén Saavedra Cobeñas – Lambayeque
“El alquimista del agua”

Valentino Antoine Sibadon García – Lima
“Ensayo de Saturación 1”

Raúl Sebastián Silva Cuevas – Lima
“Sobre lo público y lo privado I”
“Sobre lo público y lo privado II”

Alexander Sucasaire Ancco – Arequipa
“El que todo lo sabe y todo lo ve”

Tito Julio Tarqui Prado – Lima
Sin título 1

Israel Miguel Tolentino Cotrina – Lima
“Tejido Urbano”

Iván Vladimir Uribe Ferreyra – Lima
“Brillo solar entre mis párpados”

Judith Vergara García – Lima
“Desvarío”

César Wong Sierra – Arequipa
“Escenas”

Juan Carlos Zeballos – Arequipa
“Anatomía del Retorno”

http://cultural.icpna.edu.pe/ganadores-13-salon-nacional-de-pintura-icpna-2014/

 

DANUWAN

“If half of my body smiles, the other half expands “.

Colección privada de Danuwan Mx. _

_Hola Robert pues que te puedo decir mas que eres un artista único con una sensibilidad estética e imaginación interminables. . Y ya pensando en términos de como transladas tu realidad a los momentos cotidianos me pareces una persona que valora los detalles pequeños que le dan sentido a nuestros dias....un abrazo muy fuerte desde un San Pablito Danuwan donde no estoy ahora mismo pero llegaré en un tiempo para sentir esa vibra nativa otra vez. ..mucha felicidad y muchos nuevos proyectos...

AUTODISECCIÓN / SALA MEXICANA / CASA DEL ARTE DIEGO RIVERA

La Corporación Cultural de Puerto Montt (CCPM)

El arte y la cultura es la trascendencia de los hombres que habitan una ciudad, y con sus obras universalizan a su pequeño terruño. Las ciudades pueden crecer en el ámbito físico, administrativo y comercial, pero carecer de alma. Y esa alma es el aporte de quienes trabajan con su sensibilidad para aprehender al mundo y proyectarlo a través del arte en sus múltiples expresiones. Se dice que Puerto Montt es una ciudad de Pintores y Poetas. Los pintores han proyectado su impresión de la ciudad a todo el mundo, existiendo artistas nacionales que han quedado embrujados por su paisaje y su gente, despertando tras de sí muchos otros que han seguido sus pasos. Del mismo modo, los poetas han cantado y rescatado el palpitar del corazón de sus habitantes frente al fascinante entorno humano y geográfico. No obstante, las demás expresiones artístico-culturales igualmente han encontrado un eco profundo en el espíritu de sus habitantes, fortaleciéndose poco a poco un rico abanico de disciplinas estéticas que configuran la cultura local: la música, la danza, el teatro, el folklore, y la literatura  en todos sus géneros.

La Casa de los Artistas

La Casa del Arte Diego Rivera, está ubicada en el centro de Puerto Montt en la esquina de las calles Antonio Varas y Quillota. Fue inaugurada el 16 de noviembre de 1964 con la concurrencia de la esposa del Presidente de México, señora Eva Sámano de López Mateos. El edificio lleva el nombre del famoso pintor y muralista mexicano Diego Rivera en agradecimiento al pueblo de México por su generosa colaboración para construirlo como un recinto para artistas y pintores de la zona en reemplazo de lo que fuera la antigua “Casa de Botes”, completamente destruida por el terremoto del 22 de mayo de 1960.

La cooperación del gobierno mexicano se gestó gracias al embajador de México y escritor Gustavo Ortiz, quien acogió la idea gestionada por la “Agrupación de Pintores” conformada por los artistas: Carlos Laroze, Arturo Pacheco Altamirano, Ardy Wistuba, Manuel Maldonado “Manoly”, Héctor Wistuba, Gastón Gómez, Bernardo Olavarría, entre otros.

Las gestiones prosperaron y la iniciativa fue incorporada al Plan Chileno-Mexicano de Cooperación Fraternal, cuyos ejecutivos designaron una comisión para la adquisición del terreno y planificación de la obra. El 14 de noviembre se inauguró la Casa del Arte y contó con la presencia de destacadas personalidades políticas, intelectuales y artísticas de entonces.

Con el correr de los años la Casa del Arte Diego Rivera no sólo ha permitido albergar y mostrar el trabajo de pintores locales y nacionales, sino también compartir sus espacios con el grabado, fotografía, escultura, cerámica, teatro, danza, música, entre otras manifestaciones culturales.

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Horarios de Atención:
Salas de exposiciones: lunes a sábado de 10:00 a 19:00 hrs. / domingos y festivos de 

15:00 a 19:00 hrs.

 

Una miradas en el tiempo.

AUTODISECCIÓN

AUTODISECCIÓN

AUTODISECCIÓN

Robert Orihuela se formó como artista en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú (ENSABAP). Egresó con honores en el año 2005, recibiendo la medalla de oro al ganar el primer puesto de su promoción, en la especialidad de pintura. El trabajo que lo hizo merecedor a  este premio, se distinguió de otros por el tipo de soporte. Emancipándose del lienzo, nuestro artista se aventuró a crear su propio medio – el tejido-, dejando en claro que ya a esas alturas, lo bidimensional no lo satisfacía: la insinuación del volumen, no le bastaba; la ilusión de profundidad, tampoco.

La incorporación del hilo responde a esta inquietud.  Al reparar en las particularidades del hilo, Robert se da cuenta de las virtudes que este encarna. Al ser un material tridimensional, en él no solo habita el color, sino también el volumen y la textura. Es así como descubre el valor escultórico del hilo. Si vemos sus obras, podemos darnos cuenta de que el tratamiento del hilo es manifiestamente pictórico, pero este tratamiento también es, en alguna medida,  escultórico. La superposición de hilos, la alternancia en el grosor, el desgarro de la fibra: todo esto hace que la obra salga hacia nuestros ojos y que podamos sentir la tercera dimensión.  Podríamos decir que con el hilo no solo pinta, sino que esculpe. En ese sentido, el hilo sería lo que posibilita, en su obra, la íntima reunión de la pintura y la escultura.

Por otro lado, el hilo es, en sí mismo, metafórico. Su incorporación le permite a Orihuela abrir el plano de la metáfora. Todos conocemos lo que es el hilo en sentido literal pero, metafóricamente, cuando hablamos de “seguir el hilo” queremos decir “seguir el hilo argumentativo”, seguir la concatenación de ideas, es decir, el sentido. “Hilar”, en sentido literal, es hacer hilo; pero “hilar” en sentido metafórico, es cavilar, pensar, argumentar. Estos son los dos sentidos que se encuentran enlazados en su obra. El hilo en sentido literal es atravesado por el hilo en sentido metafórico: con la literalidad expone la metáfora. Sin embargo, la metáfora no queda solamente ahí.  El hilo está hecho de fibra, y esta constituye el segundo nivel de esta metáfora. Nuestro artista no trabaja con un hilo cualquiera: el hilo es, desde sus fibras, suyo. Esto es así en sentido literal y metafórico. En el primer sentido, porque él mismo trata el hilo desde sus fibras y, en el segundo sentido, porque al final las fibras que hila, las fibras que teje, son las suyas, las propias.

Es a partir de esta concepción de las fibras que surge la idea de la “autodisección”. Con este término, Orihuela desea aludir al proceso de abrirse a uno mismo, detener el funcionamiento del cuerpo y explorarse. Es más un proceso de introspección el que se encuentra referido aquí. Jugando con la literalidad de la autodisección, Orihuela nos permite observar su propio proceso de exploración. El uso de cierres le permite simbolizar el acto de abrirse uno mismo; el uso de audífonos y estetoscopios, el acto de escucharse a uno mismo; el uso de casetes, el acto de grabar lo vivido en la memoria.

La “autodisección” de la que nos habla es, en última instancia, el acto de explorarnos a nosotros mismos, abriendo nuestros órganos cargados de memoria, escuchándonos, palpándonos, sintiéndonos, hasta llegar a nuestras fibras más profundas, a nuestras fibras más sensibles.  Son estas fibras las que aparecen en su obra. Han sido seccionadas para ser expuestas. 

Esta tarea ha abarcado diez años. Las fibras de esta retrospectiva han sido seccionadas desde el año 2004 hasta el 2014. El periodo marcado por estos años, ha sido para Orihuela un periodo de crecimiento y maduración. La consolidación de la técnica y la evolución de su lenguaje plástico, le ha permitido exponer, en esta retrospectiva, una disección que resulta, hasta cierto punto, paradójica. La disección que él lleva a cabo es, en realidad, todo lo contrario: lejos de disecar, de alguna manera, le influye vida a lo seccionado. Ciertamente,  viendo sus obras podemos notar que en esta  “autodisección”,   aún algo se mueve,  aún algo fluye. El color se asoma, palpita y se desvanece. El volumen hace que la forma despierte. El tiempo late pictóricamente.

En efecto, en esta “autodisección”, la organicidad aflora.

Sandra Rivera Florez

Curadora independiente